Sociología de la percepción estética, jaliliye

Power bourdieu, jaliliye

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Pierre Bourdieu
Sociólogo francés, considerado como uno de los mas influyentes de la segunda mitad del siglo XX.
Estudia filosofía en la Escuela Normal Superior, para luego continuar en la Facultad de Letras, en Paris.
Luego de finalizar sus estudios, el año 1955 comienza a ejercer como profesor en diversos centros de estudios, como el Liceo Moulins y La Sorbone, en Paris, y en la Facultad de Letras de Argelia.
Durante este periodo (1955-1969) inicia sus primeras investigaciones respecto a la sociología educacional, en el Centro de sociología Europea.
A raíz de sus estudios e investigaciones, Pierre Bourdieu acepta una serie de cargos directivos, donde se destaca el cargo de director de la Escuela practica de Altos Estudios, en donde fundo el año 1967 el Centro de sociología y de la cultura.
También ejerció el cargo de director en la revista “Actos de la Investigación en Ciencias Sociales”, desde el año 1975 hasta el 2002, año en que fallece.
Debido a su trayectoria y aporte en diverss investigaciones, es nombrado Doctor Honoris Causa en universidades de Berlín (1989), Francfort (1996 y Atenas (1996).
Proyecto importante que llevo a cabo Bourdieu fue el fundar el parlamento de escritores, en donde quería crear un espacio para que los escritores se sintieran libres de criticar cualquier tema, y que pudiesen tener una opción diferente para el esparcimiento de la cultura sin regirse necesariamente por lo ya establecido.

Pensamiento.
Pierre Bourdieu a lo largo de su carrera desarrolla una teoría social, principalmente dirigida al plano educacional y a los estilos de vida.
Tiende a criticar la estructura social, a la política y los medios de comunicación.
Plantea también, que la distinción cultura no es mas que una forma encubierta de dominación, y que a su vez lo ideal seria que todos por igual tuviésemos el mismo acceso a la cultura.






Sociología de la percepción estética.
Obra de Arte:
Como introducción Bourdieu expone en rasgos generales que es una obra de arte.
Las obras de arte son aquellos objetos que son designados socialmente como tales, por medio de entidades como el museo, quienes le otorgan al objeto un signo de consagración.
A su vez, pueden existir diferentes percepción, en cuanto a que objeto es considerado como obra de arte, la cuales son generadas a partir de un momento histórico en especifico.
Para explicar mejor, el autor cita a Panofsky (historiador alemán), quien intenta designarle a la obra ciertos parámetros para que podamos percibirla como obra de arte.
Expone que una obra de arte es aquel objeto que demanda ser percibido estéticamente.
Es así como nace la siguiente pregunta: ¿Es la intención estética la que hace la obra de arte?
Para generar diferencia entre objeto técnico y objeto estético, Panofsky plante lo siguiente:
La obra de arte le asigna al objeto una intención objetiva que contradice su percepción puramente practica.
Por lo tanto, demanda ser percibida estéticamente, poniendo la forma por sobre la función.
Cualquier objeto puede establecerse como obra de arte, siempre que este sea la intención del artista, y por ende inducir la visión del espectador.
EL trabajo de Marcel Duchamp es el ejemplo perfecto.
Como artista se apropia de un objeto que fue diseñado para un uso netamente practico, pero que al sacarlo de contexto y al aplicar el gesto grafico de la firma, convierte inmediatamente al objeto practico y generado en serie, como objeto único, digno de apreciar estéticamente,, induce al espectador a observar desde un punto estético el objeto, olvidándose de su fin practico.






Si bien Panofsky intenta designar ciertos parámetros para distinguir una obra de arte, l paso de un objeto técnico a un objeto estético es casi imposible determinar el momento en que pasa de ser una cosa a otra., ya que esto depende de la intención del productor de dichos objetos.
Por otro lado, un factor importante para designar que objeto es digno de ser admirado estéticamente y cuales no, son las normas y convenciones sociales preponderantes en un momento especifico de la historia.
Por ejemplo, durante la Edad Media, se exigía que los escudos debían ser objetos artísticos.
Así también la cartas privadas, eran desarrolladas por medio de detalladas tipografías, que incluían miniaturas dibujadas.
Así también, la recepción de la obra esta ligada a la intención del espectador, o sea a su aptitud respecto a las normas y convenciones sociales, esto podrá variar según su experiencia y formación artística.
Esta educación puede provenir de dos partes:
La educación pedagógica, la que sienta la bases para qué debe ser admirado, qué objeto es digno de ser consagrado y otorga las “herramientas” para su entendimiento.
Por medio de esta educación se intenta inducir el conocimiento estético, y el gusto individual y colectivo.
Aun así, esta educación es arbitraria, dependerá del tipo de profesor y colegio al que uno tenga acceso.
Por otro lado está la familia, quien a través de la cultura incentiva e induce el conocimiento estético, Esto dependerá del acceso cultural de la familia, y su clase social. Así también este conocimiento puede ser adquirido por medio de la costumbre o la tradición familiar,.
El conocimiento deficiente puede generar prejuicios, desinterés y algunas apreciaciones herradas, como ver el arte académico como única forma de arte.
Por lo contrario, una buen acceso cultural y educacional, pueden desarrollar en el espectador un mayor entendimiento del avance cultural y una conciencia de la realidad actual.






Autonomía del arte.
Proceso que se inicia en el Renacimiento, en el siglo XV.
Durante esta época, y durante mucho tiempo la producción de arte se vio regida por la iglesia, las reglas morales, como herramienta de propaganda, entre otros.
Por ende, el artista intenta a partir del renacimiento desprender su trabajo de la presión social, y liberar su producción de toda servidumbre social.
El artista aun así dependía de la clases sociales que compraban su arte por encargo, ya que mediante ese dinero sobrevivía, y socialmente se consagraba.
El burgués a través de una actitud altanera miraba en menos el trabajo del artista, solo lo veía como un objeto por medio del cual se reflejaba su buen gusto y por ende su superioridad social.
Esta actitud deja en evidencia el poco conocimiento estético del burgués, su ignorancia respecto al arte, y por ahí se “agarra” el artista para de algún modo liberarse por medio de símbolos, que no podían ser entendidos por el burgués, y que solo significaban algo para el artista, una libertad camuflada.
El artista comienza a mirar en si mismo para encontrar la inspiración, y dejar de regirse por lo que socialmente se exigía.
Leonardo DA Vinci, es un buen ejemplo, si bien trabajo el retrato académico, e hizo trabajos por encargo, por que esto significaba dinero, igualmente dejo espacio para su libertad creativa generando un código propio que aun generan cuestionamiento, y que hasta el día de hoy no son posibles de entender en su totalidad.
Por otro lado, a lo largo de la historia del arte, el artista fue adquiriendo mayor libertad creativa, aun así muchos de los que se atrevieron a quebrar el molde, no siempre fueron admirados ni reconocidos como creadores de obras de artes, ya que estas se salían de lo que se exigía y admiraba socialmente.
El arte moderno es el claro ejemplo de la libertad adquirida por los artistas, en donde ya eran capaces de crear sus propios manifiestos técnicas y temáticas, cada vez mas conceptuales y con tendencia a la abstracción. Durante las vanguardias, se dice que es el punto en donde mayor énfasis tuvo la forma, o que en realidad fue el momento histórico cultural que lo hizo visible y novedoso.







Códigos.

Para Bourdieu la obra de arte puede ser considerada como un bien simbólico o un bien económico. Existe como bien simbólico para quien posee los medios de poder descifrarla, o sea los códigos históricamente constituidos para poder hacerlo. Por el contrario es simplemente un bien económico.
Los códigos estéticos nos proporcionan la capacidad para descifrar las características de una obra. Son instrumentos de percepción, ligados también a la producción de la obra. Esto es debido a que toda obra es construida dos veces, una por el productor (artista) y segundo por el consumidor (la sociedad que la observa).
Ejemplo. Imaginemos que los impresionistas franceses no hubieran firmado sus obras, y hayan quedado en el olvido. Si hoy los retomamos e intentamos clasificar y analizar las obras, les asignaríamos artistas. Con esto, Manet absorbería gran parte de las primeras obras de Renoir y Monet, debido al parecido de sus pinturas. Sin embargo, debido a que conocemos a estos artistas y sabemos qué obra pertenece a quién, podemos observar las diferencias entre dichas obras y los artistas en sí.
Aquí podemos ver que una obra de arte puede atraer tanto por sus propiedades formales como por sus propiedades anecdóticas o informativas históricamente.
Con este ejemplo también podemos notar que la legibilidad de una obra de arte es función de la distancia entre el nivel de emisión y el nivel de recepción. Es decir, la legibilidad de la obra se da tanto por el productor de la obra en sí como por el receptor de esta. El productor le entrega cierta complejidad a la obra (el mensaje, la técnica, etc) y el receptor necesita tener cierto dominio sobre el código social.
Cada individuo posee una capacidad definida y limitada de aprehensión, o asimilación, de la “información” propuesta por la obra. Cuando uno no logra captar el mensaje de la obra, solo queda desinteresarse por ella. Por el contrario, aplicar los códigos que dispone, sin saber si son adecuados o pertinentes.
Al no disponer de estos códigos pertinentes, se vincula la obra a ella misma, y se fijan en los códigos de la experiencia cotidiana o de la experiencia emocional o propiedades sensibles. Como por ejemplo, decir colores alegres o durazno aterciopelado.
Ejemplo. La obra “Advent of Christ announced in a vision to the Magi” (1445-50) de Roger van der Weyden, muestra al niño Jesús flotando en el aire, envuelto por luz, frente a los Reyes Magos. Sabemos que el niño Jesus es una aparición, no solo por la luz que lo envuelve (ya que en otras obras donde se representa Jesús como hombre real, este igual lleva esta luz), sino que porque está flotando. En una miniatura de “Evangelios de Otón III” creada alrededor del año 1000, se aprecia en primer plano un grupo de jóvenes, y más atrás un pueblo flotando. Teniendo en cuenta que en la edad media no dominaban la perspectiva tal como ahora, podemos decir que en este ejemplo el pueblo es completamente real, y que está ahí para dar contexto a los jóvenes. Ahora uno la ve como si flotara, pero con los códigos que manejamos, de historia del arte, etc, sabemos que en realidad no es una aparición como en niño Jesús, sino que se trata de un pueblo real. Este es un claro ejemplo de que uno debe dominar los distintos códigos para poder entender distintas pinturas.
Debido a esta falta de códigos entre las masas, a las clases populares les atrae el realismo. Una obra es “realista” cuando coincide con nuestra visión objetiva del mundo.
A medida que uno conoce un mayor número de estilos, se va ampliando la cantidad de códigos que manejamos, y por lo tanto nuestros gustos.
En el arte existen los cambios de estilo. Cuando se producen obras bajo este nuevo estilo, estas son, durante un tiempo, interpretadas bajo los códigos antiguos. Aquí se necesita rechazar todas las estructuras que se conocen y empezar de cero. Por esto mismo, el primer círculo receptos de estas nuevas obras es, por sí decirlo, la elite del arte y la filosofía, porque las obras exigen romper con los códigos, y esto implica a un espectador preparado. Es por esto mismo que existe “arte para las masas” y que también existe una elite del arte (debido a la pobreza en la distribución de los códigos estéticos, las diferencias sociales se da, en este caso, por la falta de interés que se da debido a las faltas en la educación).